UN VISTAZO AL AÑO 2002

GUÍA DE LOS DISCOS DE ADRIAN BELEW

Pendientes como estamos de la edición de Dust, la caja aún no publicada que recopilará temas inéditos de toda la carrera de Adrian Belew, en solitario y con sus distintos grupos, creo que es el momento ya de darle un repaso a su discografía.

Lone Rhino (1981)

Uno de los acuerdos más importantes, cuando se formó el grupo Discipline, fue el asegurar que para sus miembros habría espacio suficiente para sus proyectos en solitario. Esto interesaba sobremanera al propio Adrian Belew, que había conseguido un contrato para sí con la compañía Island Records. Aparte de sus méritos intrínsecos, este primer disco nos permite vislumbrar que es lo que Belew aportó a Discipline y cual era el impacto que empezaba a tener sobre él su vinculación con King Crimson. En esta grabación el guitarrista contó con los miembros de su grupo Gaga, con los que llegó a telonear a la League of Gentlemen de Robert Fripp. Estos eran William Janssen (saxos), Christy Bley (piano) y J. Clifton Mayhugh (bajo), con la colaboración de Audie Belew –4 años– en un tema. Belew tocó la batería en el álbum. Más que ponerme a desglosar los temas indicaré sólo aspectos generales de la grabación. En su primer disco como solista, Belew parece haber absorbido y decantado todas las influencias de los maestros con los que llegó a tocar. Hay algo de Zappa, de Bowie y de Byrne aquí, incluso una influencia incipiente de King Crimson; pero lo que más agradablemente sorprende es la inusitada madurez del debut del artista, con un disco que no parece una primera grabación. La atmósfera con la que se creó fue relajada, en las Bahamas y con su familia con él. Muchos temas se construyeron a partir de un núcleo central de grabación formado por batería, bajo y piano, sobre el cual se añadió todo lo demás. No sólo habitaban canciones los surcos de este vinilo, sino que podíamos encontrar hasta tres instrumentales en él. Dos de ellos (“Naive Guitar” y “Hot Sun”) son un trabajo de Belew en solitario, mientras que en el tercero (“The Final Rhino”) aparece el piano de Audie Belew; sobre el cual se sobreimpuso la guitarra de su padre.

Twang Bar King (1983)

El mismo equipo que grabó el primer disco apareció de nuevo en el segundo álbum, con la incorporación de Larrie Londin a la batería, músico que llegó a formar parte, por poco tiempo, del grupo The Bears. El tributo que Belew paga a sus influencias es más obvio, ya que el riff del instrumental “Paint the Road” parece “Thela Hun Ginjeet” segunda parte y se hace una versión del “I’m Down” de The Beatles. En líneas generales la música se desenvuelve por parámetros muy similares a los del primer disco de Belew, salvo por el último tema, el instrumental “Song for a Blue Whale”, que predice su obra siguiente. El tono del disco es similar, quizá ligeramente más nervioso y espontáneo al contar con un batería  (y no tener que desdoblarse Belew). En cualquier caso, el tono de ambos discos es muy similar y podrían haber formado un álbum doble sin ningún tipo de problemas. La estética era la misma y Belew presentaba el mismo tipo de trabajo a la guitarra, ingenioso y exuberante a un tiempo. Las letras alternan un cierto sentimentalismo con muestras de humor, mucho más cándido que el vitriolo de su maestro Frank Zappa. Durante el mes de septiembre de 1983 Belew presento en directo material de ambos discos con la misma banda que los grabó, a excepción del bajista, que fue otro. Interpretó también la canción de King Crimson “Heartbeat”.

Desire Caught by the Tail (1986).

La trilogía de discos grabados por Belew para Island Records se cerró con éste álbum, muy diferente de los anteriores. Esto es así porque este trabajo fue una obra puramente instrumental que puso a prueba la pericia como compositor e intérprete de Belew, a lo largo de los casi 3 años que duró su gestación. Con referencias obvias a Picasso y Miró, Belew hizo un uso exhaustivo de las posibilidades tanto de la guitarra como sintetizador analógico como del estudio de grabación. Aquellos que piensan que Belew sólo es un músico pop rock deberían escuchar este disco. Este es un esfuerzo que no tuvo continuidad directa en otras grabaciones hasta pasado mucho tiempo, pero piezas como “Tango Zebra” fueron el germen de la canción “Peace on Earth”, mientras que “Laughing Man” se interpretó en directo por The Bears. Éste fue el único disco de esta primera trilogía que fue editado como compacto, ya que hemos debido esperar al año 2002 para que exista una reedición en formato digital de los dos primeros discos. En la actualidad los tres sólo se encuentran a la venta en Japón, pero esperamos que a lo largo de 2003, puedan estar disponibles en el resto del mundo. Desire Caught by the Tail es especialmente brillante y complementa a la perfección los dos primeros discos, pero yo lo recomiendo en sí.

The Bears – The Bears (1987)

Adrian Belew había sido el productor del primer disco de The Raisins (recientemente reeditado, por cierto), pero durante el proceso de la preparación del segundo disco sucedió que Belew se incorporó al grupo y éste pasó a ser The Bears. Tras una breve estancia de Larrie Londin a las baquetas, el cuarteto quedó compuesto por Adrian Belew y Rob Fetters (voces y guitarras), Bob Nyswonger (bajo) y Chris Arduser (batería). La música de este cuarteto es pop rock sin ninguna relación aparente con King Crimson, salvo por la presencia de Adrian Belew. Tampoco era la banda de éste, sino un verdadero grupo donde todos participaban y en la cual nuestro guitarrista era uno más. De hecho no todas las composiciones eran suyas, aunque coescribío la mayoría de ellas. El álbum fue publicado por el sello I.R.S. de Miles Copeland. Durante este primer período de vida del grupo, éste efectúo diversas giras, lanzó discos sencillos y llegó a grabar vídeos promocionales, pero el éxito comercial les fue esquivo, a pesar del evidente “gancho” pop de las canciones, de gran calidad dentro de su estilo. En el disco aparece como invitado William Janssen a los saxos.

The Bears – Rise and Shine (1988)

El segundo de los discos del grupo fue aún mejor que el primero, ahondando en el mismo estilo. Su edición en disco compacto incluyó dos temas del primer álbum sobre los que se había vuelto a trabajar, remezclando y haciendo otra clase de cosas. Comercialmente hablando este Rise and Shine tuvo la misma mala suerte –de forma injusta ya que tiene todas las virtudes de un buen álbum de pop rock– que su predecesor y no llegó al éxito comercial. Su compañía discográfica sufrió una crisis y el grupo, enfrentado a la falta de éxito y sin el apoyo de un sello, desistió en sus intentos por seguir adelante. Adrian Belew volvió a su carrera en solitario, mientras que los tres miembros restantes prosiguieron como trío bajo el nombre de Psychodots.

El hecho de que el grupo se separase no implicó ningún problema personal entre sus integrantes, que han seguido colaborando entre sí. Han estado con Belew en estudio y en directo aparte de mantener sus propios proyectos ya como Psychodots o en solitario. Tanto Chris Arduser como Rob Fetters tienen discos propios. En el de Fetters, Lefty Loose Righty Tight, colaboran todos los miembros de The Bears –de hecho, si suena a algo, el álbum suena a ese grupo–, aunque no llegó a grabarse entonces ningún tema como cuarteto. Belew está presente como batería en varias piezas y también escribió parte del material junto a Fetters.

Mr. Music Head (1989)

Y Adrian Belew reanudo su carrera en solitario con el primero de los tres álbumes que registraría para el sello Atlantic, grabado por primera vez en su carrera de forma digital. Uno de los cambios más significativos fue el hecho de que Belew incorporó el piano como instrumento para componer e interpretar. De hecho, en la contraportada podemos encontrar a Howard, el piano de su nueva casa que fue dejado atrás por sus antiguos dueños. Belew lo “adoptó” inmediatamente. Otro de los rasgos importantes de la obra fue la cantidad de tiempo invertido en hacer un uso exhaustivo de las posibilidades de las múltiples pistas de grabación. Así, cada tema tiene un gran número de pistas, usadas o no en la mezcla final, tanto es así que para Dust hay canciones de este álbum que se presentan con mezclas radicalmente distintas a las originales, usando sólo las pistas grabadas originalmente. El lenguaje vuelve al pop de los primeros discos con cierto acento Beatles. A pesar del esfuerzo de Atlantic –se sacó un sencillo y se grabó un vídeo–, el éxito comercial  no acompañó a este álbum. Si dudarlo, mi tema favorito de este disco, una de las mejores piezas del repertorio de Belew es “1967”, una canción que aglutina 5 temas compuestos previamente por Belew e interpretada al dobro, presumiblemente el mismo que aparece en la contraportada del álbum.

Young Lions (1990)

Un hecho importante fue la llamada que le hizo David Bowie a Belew para la gira Sound & Vision. Esto se vio reflejado en este álbum, que contó con la composición de Bowie “Pretty Pink Rose” (que se interpretó en la gira) y la canción compuesta entre ambos “Gunman”. En ambos temas aparece la voz de Bowie. Por segunda vez en la discografía de Adrian Belew, un disco suyo acogía versiones de temas ajenos. Por un lado había una lectura pop de la canción de King Crimson “Heartbeat” y por el otro se encontraba una versión del tema de los Travelling Willburies –supongo que la presencia conjunta de George Harrison, Bob Dylan y Roy Orbison fue algo que Belew no pudo resistir–. Aunque técnicamente el disco es irreprochable, está claro que no era ésta una época muy inspirada en cuanto a la composición de los temas y el resultado es inferior al disco previo. Nuevamente, para Dust, Belew ha revisado este disco y ofrecerá recreaciones de algún tema así como las bases instrumentales de algunos otros, que parecen tener vida propia según el propio Belew. Uno de los mejores momentos, desde un punto de vista humorístico, es la pieza “I am What I am”, con la irresistible voz del Profeta Omega.

Desire of the Rhino King (1992)

Llegados este punto, Islands records decidió rentabilizar el fondo de catálogo de Belew editando este extenso resumen de lo grabado por el guitarrista para el sello en versión remasterizada. Esta antología, teniendo en cuenta la ausencia de edición en compacto de los dos primeros discos, permitió poder disponer de este material, algo que fue aceptado por Belew como mal menor. Con la reedición actual de los primeros discos –de momento sólo en Japón, pero esperamos que pronto se haga extensiva al resto del mundo- este disco compacto deja de tener el interés que tuvo aunque éste fue un producto muy digno. En cualquier caso aparece un tema inédito de las sesiones de Desire Caught by the Tail: “Joan Miro's Procession Through the Insides of a Purple Antelope Across a Sea of Tuna Fish”, que siempre podrá enganchar a los coleccionistas.

Inner Revolution (1992)

La trilogía con Atlantic se cerró con un disco menor. No me atrevo a calificar de otro modo a este álbum. Hay muchas canciones cortas y se nota el “truco”: una suena a King Crimson, otra a John Lennon, otra más a Roy Orbison, etc. Lo cierto es que Belew no lo había pasado muy bien estos años, que fueron los de la separación de su primera esposa, Margaret. Sobre su divorcio ayuna canción en este disco, “The War in the Gulf Between Us”, donde se documenta esto perfectamente, aunque para mi gusto la letra de esta canción (y su título) no es de lo mejor de Belew. No se debe infravalorar el papel de Margaret Belew, pintora y escultora, suya fue la letra de “Two Hands”, canción de Beat. Además, la letra de “Indiscipline” estuvo basada en gran parte en una carta que ella le remitió escribiéndole sobre una escultura que acababa de crear. Es de los discos de Belew que menos huella me han dejado.

Poco más se puede decir sobre este álbum..

The Acoustic Adrian Belew (1995)

Hay una cierta confusión sobre la fecha de este disco, ya que aparece como posterior a Here pero ciertas informaciones mías lo colocan antes, en una edición sólo para fans, aunque luego este disco haya sido editado por Adrian Belew Presents y por DGM. La presentación recuerda a la del álbum blanco de The Beatles y el contenido es muy simple: un puñado de canciones de toda la carrera de Belew, incluyendo King Crimson y The Bears, junto a versiones de The Beatles y Roy Orbison; todo ello interpretado por Belew con la ayuda de una guitarra acústica. Salvo por algunas voces dobladas y por la aparición de un tema registrado al revés, “Martha Adored” que da la vuelta a “Dream Life”, la producción es muy simple. El resultado es un hermoso disco muy sencillo y claro, sin adornos, pero con versiones espectacularmente buenas de temas como “The Rail Song”, por ejemplo. La versión japonesa del álbum incorporaba versiones de las piezas “Young Lions” y “Men in Helicopters”.

Here (1994)

Finalizada ya la relación con Atlantic, Belew firmó contrato con Caroline y grabó este disco inmediatamente antes de la reunión de King Crimson en 1994. Después de la gran frustración provocada por la trilogía Atlantic, y en especial por Inner Revolution, fue muy agradable escuchar como Adrian Belew había vuelto por sus fueros con el que probablemente es su mejor disco de canciones hasta la fecha. Es difícil de explicar, pero creo que es fácil de entender. Hablo de esa sensación que uno tiene al escuchar un disco y descubrir que es bueno y que te está diciendo algo. Evidentemente, a la calidad en la grabación e interpretación se ha sumado la excelente composición de las piezas. Quizá tenga algo que ver la nueva situación personal del cantante, ya que había conocido a quien sería su nueva esposa, Martha Belew y empezaba una nueva época en su vida. Encuentro documentado en la canción de este álbum “May, 1, 1990”. También se pueden destacar las piezas “Fly”, “Dream Life” o “Burned by the fire we made”. Quizá también influiría en su ánimo la perspectiva del nuevo King Crimson.

The Guitar as Orchestra (1995)

Este disco era el primer volumen de una serie dedicada a explorar las posibilidades no convencionales de la guitarra eléctrica. El título completo del álbum es The Experimental Guitar Series Volume 1: The Guitar as Orchestra. En el mismo disco se anunciaba que el siguiente volumen estaría dedicado a The Animal Kingdom. The Guitar as Orchestra es un disco instrumental y está subtitulado por Adrian Belew como “10 piezas clásicas modernas presentadas como un concierto de orquesta, compuestas e interpretadas enteramente sobre una guitarra eléctrica”. Este disco fue grabado en el domicilio del guitarrista y fue producido por él mismo, revelando alguna de las facetas menos evidentes del trabajo de Belew. Algunas de las piezas fueron improvisadas y quedaron así, por ejemplo “Strangers on a Train” y “Lawrence Harvey’s Despair”. Otras surgieron como improvisaciones pero fueron aprendidas por Belew y luego modificadas y enriquecidas tanto en estructura como en instrumentación: “Portrait of the Guitarrist” y “Seven Elephants”. El resultado de estos presupuestos sonoros es variado, en general interesante, y la mayoría de las piezas creo que consiguen el propósito con el que fueron concebidas, sonando a música clásica contemporánea interpretada por una orquesta.

 Op Zop Too Wah (1996)

El disco está compuesto por un total de 21 piezas, lo cual puede dar una sensación engañosa, ya que algunos temas son muy breves. De hecho alguno se corta para dar paso a ruiditos diversos o, simplemente, queda inconcluso. Lo que encontramos en la mayoría de los temas son canciones y algunos instrumentales. Tal cantidad de temas permiten suponer que Belew toca todos los palos. Destacan los instrumentales como “Op Zop Too Wah” y “High Wire Guitar”, tema, éste último, donde una guitarra desbocada se apoya en tablas hindúes punteado todo ello por ruidos de un hipotético público. Con respecto a las canciones me llaman la atención “Of Bow and Drum”, que abre el disco con una guitarra salvaje y una buena labor de percusión, “Six String” es una divertida pieza donde la relación de un guitarrista con su guitarra se convierte en una metáfora del amor; y “I Remember How To Forget”, una canción de King Crimson que Belew pidió que se le devolviera, y de la cual puede escucharse una versión instrumental en el disco del KCCC The VROOOM Sessions..

 Belew Prints (1998)

Como en The Acoustic Adrian Belew en Belew Prints todo es acústico pero a la guitarra acústica se le ha añadido piano y batería. De nuevo hay una revisión de la obra de Belew, dentro y fuera de King Crimson. El repertorio puede dividirse, grosso modo, en un 30% de material crimsoniano, otro 30% de canciones beatlesianas, otro 30% de material más personal del autor y un 10% de alegres marcianadas. “Men in Helicopters” abre el compacto con un cuarteto de cuerda apoyando la voz de Belew con un resultado espléndido. Este tema introduce el primer segmento de canciones del disco, interpretadas con guitarra. Estos son: “Cage”, “I Remember How to Forget”, “Young Lions” y “Never Enough”. Antes del siguiente bloque podemos oír un ejemplo de música concreta, tal y como la entiende Belew, “Things You Hit With a Stick”. Los temas al piano son: “Everything”, “Big Blue Sun”, “Bad Days” y “One of Those Days”. Un nuevo collage, está vez de instrumentos tonales, “Return of the Chicken”, introduce el último bloque, de nuevo a la guitarra: “Dinosaur”, “1967” y “Free as a Bird” (luego incluido en el disco de King Crimson VROOOM VROOOM. Finaliza el disco con las dos piezas previas de música concreta superpuestas, formando una nueva pieza, “Nude Wrestling with a Christmas Tree”.

Salad Days (1999)

Este álbum es una antología de los discos acústicos de Adrian Belew publicada en los Estados Unidos por el sello Thirsty Ear. Se incluyen tres piezas de The Acoustic Adrian Belew, once de Belew Prints y el disco se completa con dos temas registrados en directo en Argentina; versiones de “Three of a Perfect Pair” y “Fly”, de King Crimson y el propio Belew –su álbum Here– respectivamente. Supongo que son muestras del disco en directo anunciado hace tiempo y aún no publicado This is Pencil.. El disco es tan bueno –o tan malo, según los gustos– como Belew Prints, aunque creo que se han dejado de lado alguna de las mejores piezas de los discos de origen y se ha escogido alguna de las más flojas. Lo mejor: “Men in Helicopters”, los tres temas de The Acoustic Adrian Belew y las versiones de King Crimson (“Three of a Perfect Pair”, “Cage” y “Dinosaur”), y de la crimsoniana “I Remember how to Forget”.

Coming Attractions (2000)

Cuando se publicó este disco era una antología de material a editar en el futuro e incluso que todavía no se ha completado de grabar. Del nuevo disco eléctrico en estudio de Belew, aún inédito, se incluyeron la canción “Inner Man” y el instrumental “Predator Feast”. Si las piezas son representativas del álbum al que pertenecen, la nueva propuesta de Belew es bastante más agresiva que los discos previos.

Del nuevo trabajo con su grupo The Bears hay una canción suya llamada “117 Valley Drive” muy representativa del lado pop de Belew.

De This is Pencil, disco en directo grabado en Buenos Aires el seis de septiembre de 1997, se incluyen tomas de “Inner Revolution” y “Time Waits”. No se sabe aún si este álbum será editado algún día.

De la caja inédita de cinco discos llamada Dust hay seis temas: remezclas de material conocido (“Bird in a Box” y “House of Cards”), recreaciones (“I Know what I Know and that is all I Know and I Know It”), reconstrucciones (“The Man in the Moon”), maquetas (“People”) o simplemente temas inéditos (“No Such Guitar”). Belew piensa publicar un extracto de este caja –con material de Belew y todos sus grupos– en un único compacto que se llamaría Particles.

Del disco The Experimental Guitar Series Volume 2 Belew presenta un largo fragmento llamado “Animal Kingdom”, con sonidos africanos y selváticos, ejecutados a partir de la guitarra.

Como puede apreciarse, aquí se encuentra una especie de aperitivo para el banquete. Lo ya escuchado hace desear la edición de todo esto con un gran regocijo anticipado, por el material crimsoniano que contendrá Dust y por la excelencia de lo aquí expuesto con relación al nuevo disco y a This is Pencil.

The Bears – Car Caught Fire (2001)

Y he  aquí que trece años después volvió a ver la luz un disco de The Bears, en este caso autoeditado y con la participación de Robert Fripp a la guitarra solista en un tema. Éste está dedicado a un amigo desaparecido de Rob Fetters y que era fan de King Crimson. Nunca hubiera podido imaginar que en una canción dedicada a él iba n a aparecer dos miembros de su grupo favorito. El grupo era el mismo y también las características de su música, que no se habían desplazado ni un ápice en todo ese tiempo. El álbum se había grabado sin prisas y de una forma relajada, a lo largo de muchos fines de semana, producido por Belew. Toda esta actividad ah posibilitado la puesta en marcha del grupo, de nuevo, incluso con página web propia. El grupo, sus componentes y su estética son los mismos que 15 años antes.

The Bears – Live (2002)

NOTICIAS

Ø                 El concierto con las piezas orquestadas por Andrew Keeling de Robert Fripp o King Crimson tendrá lugar el 28 de junio en The Paradiso, Ámsterdam. El repertorio estaría compuesto por "Dangerous Curves", "Requiescat", "Midnight Blue", "Black Light". "Miserere Mei", "Red" y "Larks' Tongues in Aspic, Part Two". Parece que no se interpretará "Pie Jesu".

Ø                 El tan largamente esperado nuevo disco de Sean  Malone (Gordian Knot) está  apunto de ser editado sin no lo ha sido ya. Recordamos que en él aparecen Bill Bruford y Steve Hackett.

COMENTARIOS DISCOGRÁFICOS

Ø      21ST CENTURY SCHIZOID BAND – Official Bootleg volume One (SB 001).

Basta con dar dos series de datos para hacernos una idea sobre este disco. En primer lugar los músicos: Mel Collins (saxos, teclados, flauta y voces), Michael Giles (batería), Peter Giles (bajo y voces) Ian McDonald (saxos, teclados, flauta, voces, voz y pandereta), y Jakko M Jakszyk (guitarra y voz). Los temas son los siguientes: “A Man, a City”, “Cat Food”, “In the Court of the Crimson King”, “Formentera Lady”, “Ladies of the Road”, “I Talk to the Wind” y “21^st Century Schizoid Man”. Este álbum fue grabado en directo en el local de ensayos en agosto de 2002. Si la pregunta es ¿qué tal está? La respuesta es, pues muy bien, señores. Lo cierto es que una vez que empieza el disco ya no andas preguntándote quién falta, aunque ya lo sabemos, porque tampoco se nota su ausencia (hablo de Greg Lake o Robert Fripp). El disco es muy bonito y muy recomendable. Los temas que son tratados con más libertad son los procedentes de In the Wake of Poseidon y Islands. Con dos solistas natos como Collins y McDonald, Jakszyk no puede competir y se dedica sobre todo a ser el cantante, pero en las piezas donde puede brillar como guitarrista (“Ladies of the Road” y “21^st Century Schizoid Man”) no desmerece del conjunto. En directo el grupo interpreta “Epitaph” y fragmentos seleccionados de los discos de McDonald & Giles, Ian McDonald y Michael Giles. El gran reto es que el álbum con nuevas canciones que deberían preparar para el 2003 esté a la altura de este repertorio. No es esto sólo un capricho para nostálgicos, la fuerza con la que se interpretan estas piezas demuestra que hay vida aquí. Esperemos para ver qué pasa.

Ø      BILL BRUFORD’S EARTHWORKS – Footloose and Fancy Free (DGM 0201).

Este es el doble disco en directo que recoge 14 temas, desarrollados a lo largo de 2 horas, e interpretados por la formación ya extinta de Earthworks formada por Patrick Clahar a los saxos –ya no está en el grupo–, Steve Hamilton al piano, Mark Hodgson al contrabajo y Bill Bruford a la batería. Es el momento de recordar aquí que este Earthworks tiene poco que ver con el grupo que formara Bruford en los años 80. Aquél tenía la intención de introducir la percusión electrónica en los circuitos jazzísticos como un instrumento “serio”, más allá de las banalidades del pop. Pero el Earthworks actual tiene como objetivo establecer a Bill Bruford como un batería acústico “creíble” en el contexto jazzístico. Creo que grupos con objetivos tan dispares deberían haber recibido diferentes nombres, pero como no ha sido así, resumiendo podíamos decir que Earthworks es el grupo de Bill Bruford. En paralelo con este doble álbum se comercializó un DVD con un recital distinto de la misma formación. Prosiguiendo con la ruta emprendida con su disco If Summer Had it’s Ghosts y a través de los discos del grupo A part and yet apart y The Sound of Surprise, hemos podido asistir  a la transformación del percusionista en un voluntarioso jazzman. Cinismos aparte, su manera de tocar ha ido ganando swing y estos discos muestran una clara progresión hacia los fines propuestos. En este disco hay versiones de piezas hay versiones de todos los álbumes citados así como recuerdos al disco de Bruford y Levin Upper Extremities y al Earthworks original. A pesar de lo dicho, creo que el Bill Bruford más excitante podía encontrarse en Bruford – Levin o en King Crimson, pero no en este grupo, que estilísticamente es un callejón sin salida.

Ø      CALIFORNIA GUITAR TRIO WITH TONY LEVIN AND PAT MASTELOTTO – CG3 + 2 (Inside Out).

Finalmente, el replanteamiento de DGM ha dejado fuera del sello un disco que fue grabado para ser editado en éste. Y así es que los alumnos se separaron de la tutela del maestro. No es CG3 + 2 un disco sobre el vacío, sino que es el resultado de más de un año de trabajo conjunto con Tony Levin, al que se sumó Pat Mastelotto y que está documentado por dos discos en directo autoeditados por el piropo grupo. Así que cuando se entró en el estudio lo más importante era refinar lo ya expuesto. El repertorio y el sonido del quinteto han llevado al trío a formulas más eléctricas y rockeras que en sus discos previos para DGM. Esto es muy evidente en las nuevas versiones que se hacen de temas ya grabados con anterioridad por el grupo, como “Melrose Avenue”, “Blockhead” o “Train to Lamy”; también las versiones de Yes (“Heart of the Sunrise”) o The Mahavishnu Orchestra (“The Dance of Maya”) están muy trabajadas si las comparamos con las versiones en directo de estos temas. Hay espacio para improvisaciones y para crimsonizar una pieza tradicional japonesa incorporándole fragmentos de “21st Century Schizoid Man” (”Zundoko-Bushi”). La presencia de una sección rítmica le da mucha vivacidad al trío. Este excelente disco debería abrirle puertas al grupo, algo que realmente se merece.

Ø      MICHAEL GILES – Progress (Voiceprint).

Si la puesta en marcha de la 21st Century Schizoid Band ha coincidido oportunamente con la reedición del álbum de McDonald & Giles, lo que está claro es que ha propiciado la edición de este disco de Michael Giles, registrado en 1978 y nunca publicado hasta ahora. Y no salgo de mi asombro, porque el disco es muy bueno, una obra conceptual acera de un viaje en tren por la campiña inglesa compuesta  por instrumentales y canciones registradas por muchos músicos, entre los que destacan Peter Giles y John Perry al bajo, Dave McRae a los teclados y Jimmy Hastings al saxo tenor, entre otros. La pieza que la 21st Century Schizoid Band toca en directo, “Progress”, encaja perfectamente bien en el repertorio del grupo. Musicalmente es un desarrolló de lo hecho en McDonald & Giles, pero descubriéndonos a un Michael Giles compositor de altura y multiinstrumentista. En los textos que acompañan al disco se menciona d pasada que hay otro álbum inédito grabado junto a Jaime Muir, Morris Pert y Simon Jeffes entre otros. Espera que no haya que esperar otros 24 años, si es que se completaron las sesiones de aquél álbum. Siendo como soy, crítico con las ediciones de archivo un tanto oportunistas de sellos como Voiceprint, hay que reconocer que rescatar obras como ésta no tiene precio. Ya que en “su” época fue imposible editarla, menos mal que ha podido ser recuperada para nosotros.

Ø      PETER HAMMILL – Clutch (FIE 9127).

No finalizó el año 2002 sin que  se editara un nuevo disco. El hilo conductor en este caso ha sido la elaboración de una disco entrado en canciones escritas e interpretadas con guitarra acústica, algo que fue normal en los albores de la carrera del  cantante. No obstante el disco no ha sido elaborado en soledad ya que se ha contado con la colaboración de Stuart Gordon a los violines y viola (y un arreglo de cuerda) y David Jackson, a los saxos y flautas. El propio Hammill parece muy empeñado en afirmar que este no es un disco folk o de música Rotos; pero no sé quién iba a confundirse con él.. En cualquier caso tampoco es un viaje al pasado de Hammill, ya que por temática y estética el disco se vincula a su época actual.. A mi no me ha entrado a la primera, y mi impresión es la de encontrarme con un None of the Above pero interpretado con guitarra acústica. El uso de estas texturas no quiere decir que sea un disco fácil, ya que las composiciones no son muy asequibles. Es el típico disco de Hammill que hay que escuchar con atención varias ocasiones para entrar en él. Es algo inhóspito.

Ø      KING CRIMSON – Live in Hyde Park 1969 (CLUB 12).

Por fin fue editado este disco, largamente esperado por mí, y supongo que por todos los demás seguidores de King Crimson interesados en las ediciones del Club de Coleccionistas de King Crimson (KCCC). Este disco nos presenta el recital dado en Hyde Park el 5 de julio de 1969 por la formación original del grupo. Un recital de algo menos de 40 minutos e el que el grupo fue desinhibiéndose con el paso de la actuación. Debido a las presiones por la falta de tiempo la actuación muy comprimida con una versión “de bolsillo” de “Epitaph” unida a la secuencia formada por “Mantra”, “Travel Weary Capricorn” y “Mars”. Los otros temas interpretados fueron “21st. Century Schizoid Man”, “In the Court of the Crimson King” y “Get Thy Bearings”. El disco se completa con parte de la conversación, entre todos los miembros del grupo y los roadies, que tuvo lugar el 15 de marzo de 1997, durante la presentación de Epitaph; y una versión instrumental  de “21st. Century Schizoid Man” registrada el 12 de junio de 1969 en los estudios Morgan de Londres, una joya que antes no se había podido escuchar.

Ø      KING CRIMSON – Earthbound (Virgin).

Por fin le llegó el turno a la reedición de este álbum mítico, nunca editado antes en formato de disco compacto. La formación era la compuesta por Robert Fripp (guitarra y melotrón), Mel Collins (saxos, flautas y melotrón), Boz Burrell (bajo y voz) y Ian Wallace (batería y percusión). El grupo se estaba desintegrando y este es un buen documento de esto que relato. Hay mucho jazz y funky en la s improvisaciones, pero este álbum vale su precio en oro por las interpretaciones de “21st. Century Schizoid Man” y “Groon”. La edición en digipack que se distribuyó por Madrid a precio reducido se agotó en menos de una semana y sólo queda la opción de comprar la versión “normal” a precio, escandalosamente, “normal”. Pero esto no debería arredrar a nadie frente a este disco.

Ø      KING CRIMSON – Ladies of the Road (DGM 0203).

Este doble álbum aparece como una edición especial del KCCC abierta a todos los públicos y que ofrece material del grupo formado por Robert Fripp, Mel Collins, Boz Burrell y Ian Wallace. El origen de estas grabaciones, con pocas excepciones, proviene en su mayor parte de los cuatro disco publicados por el KCCC con material de este período El primer compacto contiene tomas de “Pictures of a City”, “The Letters”, “Formentera Lady”, “The Sailor´s Tale”, “Cirkus”, “Groon”, “Get thy Bearings”, “21st. Century Schizoid Man” e “In the Court of the Crimson King”. SE avisa que “Formentera Lady” está abreviada, pero no es el único tema resumido. El segundo disco es un collage de más de 50 minutos de duración de diversos solos de guitarra y saxo extraídos de varias interpretaciones de “21st. Century Schizoid Man” y se titula Schizoid Men. El resultado es bueno pero a mi se me antoja insuficiente. Creo que se podría haber hecho un disco mejor con el material disponible de esta época poco valorada hasta ahora de King Crimson. No obstante, en sí, si  atender al o que hubiera podido ser, el disco es bueno.

Ø      KING CRIMSON – Live at the Zoom Club 1972 (CLUB 20).

Ésta es una de las grabaciones con más interés documental de las editadas por el  KCCC. Este disco nos presenta el primer recital dado por la formación del grupo con quinteto con Jaime Muir. Este doble disco contiene todo el material que iría a formar parte del álbum Larks’ Tongues in Aspic, todavía algo inmaduro bocetos de temas futuros, así como extensísimas improvisaciones, que son de lo mejor del disco. El sonido no es perfecto, pero se pudo conseguir la cinta original de la cual se han ido publicando diferentes discos piratas a lo largo del tiempo. Se ha hecho  lo que se ha podido y el resultado es simplemente audible, aunque ha sido muy criticado en los foros. Pero que se le va a hacer, hay lo que hay. Y esta es una de las raras ocasiones que vamos a tener para comprobar como sonaba el grupo formado por Fripp, Cross, Wetton, Bruford y Muir. Y eso no tiene ningún precio. ¡Lástima que no haya grabaciones mejores!

Ø      KING CRIMSON – USA (Virgin).

Y también, por fin, llegó la largamente esperada reedición de este álbum, que tampoco existía de forma oficial como disco compacto. El disco es el mismo que fue editado en 1975, con dos temas añadidos, aunque parezca que son tres, ya que han adjudicado un título a los sonidos previos a “Larks’ Tongues in Aspic, Part II”. Éste fue uno de los primeros discos de King Crimson que tuve y ceo que aún me estoy recuperando de la impresión. Viene todo lo que venía en el disco original tal y como venía en éste, lo cual desagradará a quienes esperaban poder escuchar la improvisación “Asbury Park” y el tema “Easy Money” completos. Supongo que eso podremos escucharlo alguna vez en algún disco del KCCC. A cambio y después de la incendiaria versión de “21st. Century Schizoid Man” se nos ofrece nada más y nada menos que “Fracture” y a continuación “Starless”, en interpretaciones extraordinarias. Este es un disco que recomiendo sin ningún género de dudas, obre todo si no se tiene nada de este período en directo.

Ø      KING CRIMSON – THRAK (Virgin).

Poco hay que decir al respecto de este disco que no sea sobradamente conocido por cualquier fan de King Crimson, pero si lo traigo aquí es porque también ah sido reeditado dentro de la serie del trigésimo aniversario, remasterizado y en formato digipack. No he podido apreciar ninguna diferencia entre la versión de 1995 y al actual. Una reedición innecesaria desde mi punto de vista, aunque cualquier pretexto es bueno para volver a escuchar al doble trío en acción.

Ø      KING CRIMSON – Level 5 –edición japonesa– (Pony Canyon).

Aún menos hay que decir de este disco. La diferencia que tiene con la edición “normal” es el cambio de una toma de “Virtous Circle” por otra distinta, el disco por lo demás es, en la práctica, idéntico a su primera y más asequible versión.

Ø      KING CRIMSON – Happy with what you have to be happy with (Sanctuary).

Por motivos que ignoro la distribuidora española del sello Sanctuary se resiste a distribuir este disco, aunque si hizo llegar copias promocionales a la radio. Lo cual es más grave porque ya en el extranjero se mueven promos de The Power to Believe. King Crimson hace cosas inesperadas, ya que si se esperaba una especie de VROOOM, este disco no ejerce esa función. Casi estaría por decir que incluye lo que no irá en el disco. Hay cuatro temas centrales. “Happy...” es una versión abreviada del tema del mismo título que irá en The Power to Believe y suena como una extraña mezcla de Tool y Beatles. Me dejó muy frío la primera vez que lo escuché. “Eyes Wide Open” que aquí aparece en una versión acústica, también formará parte del nuevo álbum y es el típico tiempo medio belewiano, una canción muy bonita, peor no es la versión definitiva. “Potato Pie” es un blues crimsoniano, sin más. Por último se ofrece una toma en directo sacada del KCCC de “Larks’ Tongues in Aspic, Part IV”. Hay otros seis temas, muy breves, que en su mayoría son haikus de Adrian Belew, junto a un instrumental de percusiones y un pequeño soundscape. Después del último haiku hay un collage no acreditado llamado “Einstein’s Relatives” obviamente ensamblado por Adrian Belew, por momentos muy curioso. La impresión que tuve es que más que un disco de King Crimson, parecía un trabajo de Adrian Belew. Por contrapartida, Andrew Keeling compara The Power to Believe con In the Wake of Poseidon. Ya veremos, pero esto implica que este EP de 33 minutos no se parece al nuevo álbum.

Ø      TONY LEVIN – Double Espresso (Papa Bear).

Este es un doble en directo recogido en la gira de presentación del álbum Pieces of the Sun. El repertorio se basa en ese disco así como en piezas de Waters of Eden con algún recuerdo para Genesis, King Crimson y Led Zeppelín. La música de la Tony Levin Band no descubre la pólvora pero es un grupo muy destacable. El disco está muy bien y lo que está haciendo Tony Levin es más bien agradar a los fans. Creo que en King Crimson (y en los ProjeKcts y en BLUE) él se ponía el listón más alto. En cualquier caso me gustó Pieces of the Sun y este disco también. Levin se acompaña de Larry Fast a los sintetizadores, Jesse Gress a la guitarra y Jerry Marotta a la batería. También aparecen el California Guitar Trio, el batería Doug Stringer y el hermano de Tony, Pete Levin al piano. Muy agradable.

Ø      MASTICA – MasTicAttacK (autoedición).

El segundo disco del trío es muy sorprendente, ya que nada tiene que ver su primera obra. No, no es una colección de canciones sino el encadenamiento de una serie de improvisaciones que tuvieron lugar en estudio y en directo. 14 temas, por llamarlos así en los que el trío formado por P@M (Pat Mastelotto, a la batería y electrónica), gum B (bajo, cello, mandocello, guitarra tenor y voz) y Munk E (saxo alto, clarinete, clarinete bajo y voz) fue acompañado por Bill Munyon (electrónica), Brad Houser (saxo barítono y percusión), Branden Harper (batería y percusión), Bruce Salmon (teclados) y Miable Williams (voz). La música es tan iconoclasta como puede suponerse, ni es jazz, ni rock, ni electrónica, ni nada categorizable. Sólo música en bruto no apta para cardíacos. Poco que ver, salvo en plano profundo, con la música que actualmente hace King Crimson.

Ø      MCDONALD & GILES – McDonald & Giles (Virgin).

Por fin se ha reeditado este disco en formato compacto para todo el mundo, fuera del mercado japonés, pero no es una reedición de la hecha para aquél mercado, ya que el disco ha sido remasterizado por Ian McDonald y las mezclas son nuevas; inspirado por la edición del trigésimo aniversario de King Crimson. El disco es un clásico en su estilo, muy próximo a lo expuesto por King Crimson en sus comienzos. En un alarde de honradez Robert Fripp comentó que si In the Wake of Poseidon era la mitad del segundo disco de King Crimson, este disco era la segunda. Gran parte del contenido se compuso mientras McDonald y Giles eran miembros de King Crimson y eso se nota. La pieza más larga y ambiciosa del disco, “Birdman” incluso tiene letras de Peter Sinfield. Creo que no es un mal momento para aprovechar la oportunidad y conocer esta obra; muy oportunamente reeditada con la puesta en marcha del a 21st Century Schizoid Band. Ojalá la música de este grupo sea la continuación en calidad y estética de lo contenido en este álbum de 1970.

Ø      STEVE ROACH & JEFFREY FAYMAN – Trance Spirits (Projekt 135).

Poco tiene que ver este disco con el disco de Fayman & Fripp A Temple in the Clouds, pese a lo que se comentó no es este un disco de trío sino de dúo y Fripp sólo aporta sus soundscapes, pero no su personalidad en tres piezas del mismo. Oleadas de sonido punteadas por percusiones étnicas. Puedo decir que después de la primera escucha del disco tuve dificultades para recordar cada tema por separado, ya que todo me parecía un poco lo mismo, darle vueltas a la misma idea durante 70 minutos. Quizá es que estas cosas no sean las mías, pero fui a la escucha de la obra lo menos prejuiciado posible.

Ø      VIRELAI – Sad Steps (RiverRun RVRCD62)

ALGUNAS DIRECCIONES DE INTERÉS

DGM.                                                                   www.disciplineglobalmobile.com.

ELEPHANT TALK:                                          www.elephant-talk.com.

KRIMSON  NEWS:                                           www.krimson-news.com.

KING CRIMSON LIVE!:                                 http://members.aol.com/nisimoto/klive.htm.

EL MELLOTRON              :                              http://www.mellotron.org

King Crimson En Español:                  http://geocities.com/crimson_espanol/

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Carlos Romeo

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